En un edificio se queda libre un apartamento poniéndose en alquiler. Entre los vecinos (un toro y su anciana madre, una cerda, un burro, una gallina y una oveja), se crea cierta incertidumbre a la espera de averiguar quiénes serán los nuevos inquilinos.
Posteriormente descubren que son las Ratas las que han alquilado el piso y todo el vecindario habla de ellas, lanzando opiniones estereotipadas: “las ratas son grandes sucias, feroces, malolientes, desordenadas, delincuentes y peligrosas.”
Con este malestar, los vecinos inquietos, imaginan como son los recién llegados. Tienen pesadillas y realizan reuniones extras de comunidad para poner nuevas normas absurdas, cotillean y se van volviendo intolerantes, y malhumorados.
Finalmente, descubren que la pareja de “Ratas” está compuesta por unos seres encantadores, que para nada se acercan a lo que imaginaban, encontrando que son amables y educadas.
Ficha Artística:
Dirección: Eva Rodríguez Titiritera: Paola Román Arreglos Musicales: Daniel Abad Iluminación: Chema Rivera Diseño, construcción: Paola Román Distribución: Teresa Velázquez Román Cartel: Antonio Iglesias
Paloma de parque es el segundo espectáculo en solitario de Clara Ingold que versa sobre la autodestrucción, como individuos y como sociedad, codirigido por Josep Orfila.
A partir de anécdotas y vivencias personales explicadas en clave cómica, Clara Ingold habla de los problemas de una generación, la suya, que nos implican a todos como sociedad. “Es de la mierda desde donde se hace la mejor comedia” y a su vez, ésta sirve como instrumento de denuncia. Como ya hizo en su anterior espectáculo, la actriz combina monólogos con actuaciones musicales -compuestas por ella misma-, ambos llenos de humor absurdo, ironía y autoparodia en los que reflexiona sobre el autoboicot, las relaciones, el cánon estético, el ser mujer… El nuevo espectáculo de Clara Ingold es celebración y lamento, alegría y tristeza, principio y final, comedia y drama, humor y crítica.
Ficha Artística:
Dramaturgia, composición musical e interpretación: Clara Ingold Dirección: Josep Orfila & Clara Ingold Escenografía & vestuario: Josep Orfila Asesoramiento: Jose Artero Producción musical: Dimas Frías Teasers: Joan Porcel Técnico: Olivier Auclair Producción: MPC Management
Caperucita es enviada a casa de su abuela para llevarle una cesta con algunas cosas que aliviarán su enfermedad, para ello tendrá que atravesar el bosque y no desviarse ni entretenerse. Por el camino se encontrará con el leñador, el cual le advertirá de los peligros del bosque. Un lobo hambriento aparecerá para descubrir las intenciones de Caperucita, y engañará a la niña para poder comérsela después, junto a su abuela, pero nuestras dos heroínas harán gala de su astucia y lograrán salir de la barriga del lobo.
Ficha artística:
Actores: Alfonso López, Nicolas Andreo, Andrea Pacheco Dirección y Dramaturgia: Beatriz Maciá y María Alarcón Regiduría: María Moscoso Dirección Musical y Composición Original : El Bosco Diseño de escenografía y vestuario: Alcántara Atelier Diseño de Iluminación: Luis Ferrer Fotografía y vídeo: Twin Freaks Studio Diseño Gráfico: Juan Albaladejo Rascomunicación Producción: Compañía Pupaclown
Danza, humor e irreverencia se entrelazan en un monólogo coral donde lo salvaje se traduce en un acto de resistencia colectiva. Un espectáculo que baila con la bestia, que se abre paso entre los escombros de la norma y que, sobre la tierra removida, siembra un mundo nuevo.
«Si yo fuera fiel a mi naturaleza, una salvaje de mirada ancestral, gritaría hasta que se me saltaran las cuerdas vocales y después me las tragaría. Porque en ese último grito todo quedaría dicho. Pero, por encima de todo, si yo fuera fiel a mi naturaleza diría: no.»
Ella, de entre todas las salvajes, sueña con ser la más descalza, la más bruta, la salvaje ejemplar. Una mujer que contiene a todas las mujeres. Un cuerpo que se debate entre lo que es y lo que se proyecta sobre él. Zambra de la buena salvaje es un grito, un desgarro, un ritual de desposesión. ¿Cómo recuperar tanto espacio perdido? ¿Cómo desdomesticarse? ¿Qué le ocurre a un cuerpo cuando es en otros, cuando se permite la furia, la risa, la reventaera?
Danza, humor e irreverencia se entrelazan en un monólogo coral donde lo salvaje se traduce en un acto de resistencia colectiva. Un espectáculo que baila con la bestia, que se abre paso entre los escombros de la norma y que, sobre la tierra removida, siembra un mundo nuevo.
Ficha Artística:
Una creación de Isabel Vázquez Producida por Elena Carrascal Idea original, coreografía e interpretación: Isabel Vázquez Dirección: Alberto Velasco Dramaturgia: Ruth Rubio Coreografía “The final curtain”: Adrián Manzano Diseño Iluminación: Benito Jiménez Diseño Vestuario: Yaiza Pinillos Diseño Sombrero: Patricia Buffuna Espacio sonoro: Santi Martínez Voces plegaria: Cristina Almazán, Elena Carrascal, Nerea Cordero, Carmen Lara, Alicia Moruno y Ruth Rubio. Asesoría artística espacio: Leticia Gañán y Curt Allen Wilmer Técnica de escena y maquinaria: Efrosina Tricio Técnico en gira: David Cabañas Diseño gráfico y contenidos: Elena Carrascal Comunicación: Ángela Gentil Distribución: Elena Carrascal Auxiliares producción y distribución: Pilar Távora y Begoña Almenar Administración: Manuel Rodríguez Fotografía: Alejandra Amere Video y Fotografía: Jorge Ortiz Asesoría: Blanco Abogados
Es un proyecto en colaboración con la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía y el Ayuntamiento de la Rinconada.
Agradecimientos a: Gregor Acuña, Danza Mobile, Centro de Creación Coreográfica de Andalucía, Elena Córdoba y Natalia Pechamiel.
Esta es una comedia para todos los públicos. En ella, el espectador se sentirá reflejado en diversas situaciones y, por momentos, formará parte de la obra. Se muestran diferentes maneras de atraer al otro sexo. ¿Cómo ligaría un hombre tímido? ¿Y cómo lo haría un intelectual?
En la obra se exponen el papel de los celos en la pareja, o cómo ser encantador en exceso puede terminar en divorcio. Veremos la reacción de unos padres primerizos con su primer hijo en casa. Fórmulas para vencer la monotonía en la pareja, y una muestra de cómo las mujeres y los hombres fingimos ser lo que en realidad no somos para enamorar a quienes deseamos.
La imaginación del público juega un papel fundamental en la obra. Hay que imaginar muñecos vestidos de bombero, a un niño, un cigarro, un periódico, un biberón, un caballo, un camarero, y un largo etc. A medida que la obra transcurre, la imaginación del espectador avanza a un ritmo impensable, en la que no podrá apagarse ni por un solo segundo.
Cuando el espectador participa en la obra, se integra a través del humor: los intérpretes los llevan de la mano a otros momentos, a otras etapas, explicando los trucos que utilizaban nuestros grandes actores para recibir el aplauso del público.
En un momento concreto de la obra se invita al espectador a “patear” a en golpear con los pies en el suelo, creando gran ruido en señal de protesta cuando lo que se producía en el escenario no era del agrado del público. En la obra, por último, se plantean diferencias existentes entre la época pasada y la actual, no solo a través del tiempo, la literatura, el cine, la pintura… sino también un actor como se hacía antiguamente. Esto consistía en las diferentes formas de interpretar, desde los griegos hasta hoy.
Todo ello, por supuesto, escenificado a través de alegorías que el público entenderá, dada la popularidad de las referencias. Y se divertirá con ello y profundizará en ese lenguaje teatral no tan conocido por el público, que pertenece, da vida, y es la esencia de la carpintería teatral a través de los siglos.
El último que apague la luz es una manera de aportar cultura al espectador a través de la sonrisa y el divertimento que es, en definitiva, el deseo y el deber de todo autor que ame este oficio.
Ficha Artística:
Texto y dirección: Antonio Ozores Intérpretes: Emma Ozores y Rubén Torres
La acción transcurre el día de Nochebuena, en el amplio apartamento del Prelado, cardenal que vive una feliz jubilación junto a su asistenta Sor Socorro. El hecho de que ésta baje a la calle a hacer una compra motiva su encuentro con Benito, individuo de mediana edad, que la vida lo ha llevado a ser un indigente, a pesar de su formación y acomodado nivel social. La monja le ofrece subir a desayunar, para después llevar a cabo la obra de caridad del día: asearlo e invitarlo a la cena de Nochebuena. Esas circunstancias provocan el encuentro del pobre con el Prelado, dando lugar a un cordial enfrentamiento, no exento de aspereza, pero pleno de humor y humanidad.
Esta es una comedia para todos los públicos. En ella, el espectador se sentirá reflejado en diversas situaciones y, por momentos, formará parte de la obra. Se muestran diferentes maneras de atraer al otro sexo. ¿Cómo ligaría un hombre tímido? ¿Y cómo lo haría un intelectual?
En la obra se exponen el papel de los celos en la pareja, o cómo ser encantador en exceso puede terminar en divorcio. Veremos la reacción de unos padres primerizos con su primer hijo en casa. Fórmulas para vencer la monotonía en la pareja, y una muestra de cómo las mujeres y los hombres fingimos ser lo que en realidad no somos para enamorar a quienes deseamos.
La imaginación del público juega un papel fundamental en la obra. Hay que imaginar muñecos vestidos de bombero, a un niño, un cigarro, un periódico, un biberón, un caballo, un camarero, y un largo etc. A medida que la obra transcurre, la imaginación del espectador avanza a un ritmo impensable, en la que no podrá apagarse ni por un solo segundo.
Cuando el espectador participa en la obra, se integra a través del humor: los intérpretes los llevan de la mano a otros momentos, a otras etapas, explicando los trucos que utilizaban nuestros grandes actores para recibir el aplauso del público.
En un momento concreto de la obra se invita al espectador a “patear” a en golpear con los pies en el suelo, creando gran ruido en señal de protesta cuando lo que se producía en el escenario no era del agrado del público. En la obra, por último, se plantean diferencias existentes entre la época pasada y la actual, no solo a través del tiempo, la literatura, el cine, la pintura… sino también un actor como se hacía antiguamente. Esto consistía en las diferentes formas de interpretar, desde los griegos hasta hoy.
Todo ello, por supuesto, escenificado a través de alegorías que el público entenderá, dada la popularidad de las referencias. Y se divertirá con ello y profundizará en ese lenguaje teatral no tan conocido por el público, que pertenece, da vida, y es la esencia de la carpintería teatral a través de los siglos.
El último que apague la luz es una manera de aportar cultura al espectador a través de la sonrisa y el divertimento que es, en definitiva, el deseo y el deber de todo autor que ame este oficio.
Ficha Artística:
Texto y dirección: Antonio Ozores Intérpretes: Emma Ozores y Rubén Torres
Josefina es un puchero alicantino a fuego lento, es más maja que la mar salá y está loca de atar y de remate hablando sola con una voz que le persigue, su Miguel. Una oportunidad de conocer a uno de esos personajes que nunca fueron protagonistas y guardan sus recuerdos en cajitas de galletas. Josefina es una reflexión sobre la memoria histórica de España y un diálogo entre el pasado y el presente de nuestra cultura.
Ficha Artística:
Dramaturgia, dirección y diseño sonoro: Oriol Pamies Actriz y co-creadora: Natalia Zam Diseño de espacio escénico y lumínico Jose A. Vil Vestuario: Berta Navas Asesoría literaria y documental: Joan Pramies Dirección creativa promocional: Eclectic Pablo Regiduría: Marta Villalgordo Producen: MV Producción y Distribución, Oriol Pamies y Natalia Zamora
«Gamberra´s» es una comedia teatral que sumerge al público en un delirante casting publicitario para elegir a la protagonista del nuevo spot de «Canberra», una marca de comida en lata para perros. María Rosa, Juani y Paqui, tres mujeres con personalidades y habilidades tan únicas como poco convencionales, compiten en estas hilarantes pruebas.
Entre fallos y bailes improvisados, las protagonistas se enfrentan a retos absurdos que desbordan creatividad y sátira. La presencia de una figura omnipotente y estricta pone a prueba a las aspirantes con desafíos extravagantes que exponen las contradicciones y disparates del mundo del Casting.
Ficha Artística:
Diseño De Iluminación: Jesús Palazón Diseño De Vestuario: Juan Vicente Pérez Garrigós Realización Vestuario: Abecedario Escenografía: Alfredo Zamora Herrero Y Juanjo Ferrer Espacio Sonoro: Pepe Galera Diseño Gráfico: Irene Ropero Dosier Fotográfico: Rafa Márquez Grabación Video y teaser: Twin Freaks Iluminación y sonido: Jesús Ropero Maquinaria y Regiduría: Alfredo Zamora Herrero Asistente de vestuario: Alejandra Zamora Rufete Dramaturgia: Natalia Yurena Rodríguez Adjunto a la dirección: Pepe Galera Producción ejecutiva: Alfredo Zamora, Inmaculada Rufete y Jesús Ropero Producción: Doble K Teatro Dirección: Antón Valén
«Natalia se metió entre los brazos de su madre y lloró largamente allí con un llanto quedito.” Así comienza Talpa, el cuento de Juan Rulfo que en esta ocasión la Chana lleva a escena. Un cuento sobre el remordimiento, un cuento muy duro, donde cada frase es una herida. Un cuento que arrastra una esperanza baldía. Un cuento doloroso pero magnífico. Unos títeres que no hablan, una bailarina que no baila, unos personajes sin identidad, unas figuras que nos representan a todos. Una propuesta muy sensible y bella que cautiva desde su inicio.
“Natalia es un viaje de ida y vuelta, y a pesar de que sucede a lo largo de la planicie polvorienta, a pesar de la línea pura y horizontal que contiene el árido desierto y los pies que por él se arrastran, lo que experimentará será́ un viaje vertical: algo que cae y algo que se eleva, confundiendo la ingravidez de la idea con la gravedad de lo que acontece, dibujando por igual lo que se aleja de lo que se acerca, no sabiendo si la mueca es de éxtasis o de llanto amargo.
Por eso, no espere tener la misma impresión que su compañero de butaca: él ha elegido el plano desde el que quiere peregrinar. Una única cosa es segura: tanto sus pies como los de todos en esta sala, han comenzado a llenarse de tierra. Es hora de empezar a caminar.”
Fabio de la Flor, co-organizador del Festival POETAS de Matadero Madrid
Ficha Artística:
Texto: Juan Rulfo (adaptación de Talpa) Intérprete: Ana Luz de Andrés Creación y escenografía: Ana Luz de Andrés y Jaime Santos Adaptación, dirección, construcción de títeres y voz en off: Jaime Santos Música: Pep Pascual Diseño de iluminación: María Lesmes Técnico de luz y sonido: Marta Santos Vestuario: Patricia de la Cruz Vídeo: Reca Borrego Fotografía: Victorino García Calderón Mecanismos: Juan Antonio Santos Lana: Manolo Bartol Iglesia: Dana Diseño cartel: Marta Cubero Producción: La Chana Teatro Dirección: Ramon Molins
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